Orquesta Sinfónica
Nacional de Chile

La Orquesta Sinfónica Nacional de Chile es la agrupación sinfónica de mayor trayectoria del país, la primera creada como organización estatal permanente y duradera. Considerada Patrimonio Nacional, ha mantenido un alto prestigio por su calidad artística y por su importante labor en cuanto a la difusión de la música de autores nacionales, clásicos y contemporáneos.

Fundada en 1941, tuvo su concierto inaugural el 7 de enero de ese año en el Teatro Municipal de Santiago, con la conducción de Armando Carvajal, su primer director titular, rol que actualmente desempeña el maestro Rodolfo Saglimbeni. Integrada por más de 90 músicos del más alto nivel, desarrolla una extensa temporada con una variedad de programas presentados en Santiago y regiones. Asimismo, extiende su labor de difusión a estudiantes de diferentes sectores.

Su repertorio abarca desde el período Barroco al Contemporáneo, pasando por clásicos universales. Ha estrenado prácticamente la totalidad de las obras sinfónicas y sinfónico corales escritas en el país, desde los Festivales Bienales de Música Chilena, iniciados en 1948, hasta sus temporadas oficiales, desarrolladas actualmente en el Teatro Universidad de Chile. Asimismo, ha realizado diversas giras a lo largo de todo el país, incluido Rapa Nui, y al extranjero, presentándose en países como México, España, Alemania, Perú y Argentina.

A lo largo de su historia, ha sido conducida por consagrados directores invitados y compositores. Personalidades como Leonard Bernstein, Igor Markewitch, Sergiu Celibidache, Herbert von Karajan, Eugene Ormandy, Fritz Busch, Erich Kleiber, Antal Dorati, Sir Malcolm Sargent, encabezan una larga lista de maestros de prestigio que participaron en las temporadas de conciertos. Uno de los hitos más recordados fue la visita a Chile del compositor ruso Igor Stravinsky en 1960 para dirigir personalmente La Consagración de la Primavera. Como él, Paul Hindemith, Heitor Villa-Lobos y Aaron Copland, entre otros, dirigieron sus obras ante el público chileno. La Sinfónica actuó también bajo la batuta de grandes músicos chilenos como Enrique Soro, Juan Casanova Vicuña y David Serendero.

Ha sido reconocida en numerosas ocasiones, como el Premio de Arte en Música en 1977, el Premio APES al Mejor Grupo Orquestal en 1990, el Premio de la Academia de Bellas Artes de Chile en 2001, el Premio del Círculo de Críticos de Arte de Santiago en 2009 y el APES en 2010 por su “aporte de excelencia al arte musical en Chile”. En 2011 el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes le otorgó el Premio a la Música Presidente de la República, en reconocimiento a su trayectoria de más de 70 años aportando al desarrollo y consolidación de la identidad musical chilena, mientras que en 2016 recibió el Premio del Senado de la República de Chile por su trayectoria y aporte al desarrollo cultural del país.

Rodolfo Saglimbeni
Director Titular de la Orquesta Sinfónica Nacional

Desde su regreso a su natal Venezuela (1987), se ha convertido en uno de los directores más solicitados del país y de Sudamérica. Estudió en Venezuela y en la Real Academia de Música de Londres, obteniendo su grado con honores, el Diploma de Director de Orquesta y numerosos premios. Alumno del maestro Franco Ferrara en la Academia Santa Cecilia de Roma, fue primer finalista en el Concurso Internacional de Directores de Orquesta de Besancon (Francia), siendo el director más joven de la competencia en la edición de 1985.

Ha sido Director Asociado de la Sinfonietta de Caracas y de la Sinfónica Venezuela, Director Artístico Fundador de la Sinfónica Gran Mariscal Ayacucho y Director Musical del Teatro Teresa Carreño. Invitado de las orquestas de Besançon, Radio/Televisión de Luxemburgo, Haydn de Londres, de las orquestas y ensambles de la Real Academia de Música, entre otras, además de numerosos países de Centro y Sudamérica.

Profesor de la Universidad Nacional Experimental de las Artes UNEARTES, tutor de Dirección de la Orquesta en Fundamusical “Simón Bolívar” y de la Escuela de Música del Mozarteum de Caracas.

En 1997 es seleccionado para la Beca de las Américas, patrocinada por el Kennedy Center de Washington DC. En 1989 fue galardonado como Mejor Director del Año y en 1999 obtiene el Premio Director de las Américas, en Santiago de Chile. Ese mismo año ganó en Venezuela el Premio Nacional del Artista. En 2003 asume como Director Artístico de la Orquesta Sinfónica Municipal de Caracas. En 2015 es designado Director Artístico de la Orquesta Sinfónica de la Universidad Nacional de Cuyo. En 2019 es elegido Director Titular de la Orquesta Sinfónica Nacional de Chile, cargo en el que es ratificado en 2021 por un nuevo periodo de tres años.

Ha sido galardonado con la Orden “Waraira Repano” y la Orden “José Félix Ribas”, además del título honorario ARAM por la Real Academia de Música de Londres. En 2014 fue nombrado por el Gobierno de la República de Italia como “Caballero de la Orden de la Estrella de Italia –Cavaliere – Ordine della Stella d´Italia”, reconocimiento que confiere el estado italiano por los logros adquiridos en el campo de las ciencias, las letras y las artes.

Emmanul Siffert

El director suizo Emmanuel Siffert, es actualmente Director Titular de la Orquesta de Cámara de Chile, (conformada por dobles vientos, dobles metales, cuerdas y percusión), la cual es la única Orquesta oficial del Ministerio de Cultura. Colabora regularmente con las máximas instituciones culturales de Argentina como el Teatro Colón, (dirigiendo 12 producciones de ballet), Orquesta Sinfónica Nacional de Argentina, Universidad Católica Buenos Aires (Profesor Invitado para la Clase de Dirección de Orquesta) y el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón (Profesor Invitado para la Clase de repertorio de canto de Opera).

Fue Director Principal de la Orquesta Sinfónica de Aguascalientes en México, de la Orquesta Sinfónica de San Juan en Argentina, de la European Chamber Opera de Londres, de la Orquesta de Cámara Suiza, Orquesta Sinfónica Aosta en Italia y de la Orquesta Sinfónica Nacional de Ecuador.

Fue Director Principal Invitado de la Wales Concert Orchestra, y se ha presentado como Director Invitado con un gran número de orquestas, tales como Philharmonia Orchestra, Royal Philharmonic, Welsh National Opera, London Mozart Players, Rundfunksinfonieorchester de Saarbrücken, Filarmónica de Bucarest “George Enescu”, Filarmónica de la Ciudad de México, Filarmónica de Johannesburgo, Filarmónica de Armenia, Plzen Operahouse-Orchestra, Filarmónica de Gran Canaria, Filarmónica de Eslovenia, Volgograd Philharmonic, Wiener Mozartorchester, Symphonieorchester St.-Gallen, Lutoslawski-Philharmonie Wroclaw, Orchestra della Svizzera Italiana en Lugano, Berner Symphonieorchester, Rubinstein Philharmony de Lodz, Mozarteumorchester Salzburg, Südwestdeutsche Philharmonie Konstanz, Bulgarian Symphony, Sinfónica de Aguascalientes, Sinfónica de Michoacán y Sinfónica de Xalapa en México, Cairo Symphony Orchestra, Orquesta Sinfónica Nacional del Perú, Orquesta Sinfónica de Venezuela y Filarmónica de Montevideo.

Su discografía es muy amplia, ha grabado con orquestas como la Royal Philharmonic Orchestra, Orquesta Sinfónica de Bulgaria, Volgograd Philharmonic Orchestra, Oquesta de Cámara de Suiza, Aosta Symphony Orchestra. Asimismo, sus grabaciones para la radio incluyen la Rundfunksinfonieorchester Saarbrücken, Orchestra della Svizzera Italiana en Lugano y la Swiss Chamber Orchestra.
Emmanuel Siffert fue director asistente de la Opera de St.Gallen, Suiza, bajo la dirección principal de John Neschling hasta 1997; en 1995 participó como tal en el Festival de Ópera de Avenches, en 1998 en el Grand Théâtre de Ginebra bajo Armin Jordan, en 2001 en el Teatro Lírico di Cagliari bajo Rafael Frübeck de Burgos y en 2001/2002 bajo Gerard Korsten, así como en la Ópera de Lyon.

Ha dirigido el Ballet Nacional Inglés en las temporadas 2003-2004 y 2004-2005 y colaboró con el Royal Ballet Covent Garden en 4 producciones de ballet.

Otras colaboraciones en el campo de la ópera incluyen su participación con la Opera Valle en Italia desde 2002, la Opera de Núremberg, Opera de Moldavia en Chisinau y Opera de Lima en Perú y con el Instituto Superior de Arte del Teatro Colon en Buenos Aires.

Emmanuel Siffert dispone de producciones de CD con la Orquesta Sinfónica Nacional de Sudáfrica (2000), l’Orchestra della Svizzera Italiana (2005), Orquesta Académica de la Alta Escuela de Música – Lausanne (2015) , Orquesta Sinfónica de Bulgaria (2005), Orchestra Filarmonica di Volgograd (2005, 2006, 2007), la Royal Philharmonic Orchestra (2006/ 2010/2017), Orchestra de Camera della Svizzera (2001/2003/2010), “Sinfonica” d’Aosta (2002/2003, 2004, 2006), La Consorterie (1997), Orchestre de Chambre de Fribourg (1994). Otras actividades del Maestro Siffert incluyen seminarios de dirección tanto en Europa como en Latinoamérica, y dirigiendo para diferentes Academias de Ópera de verano en Europa.

Es Jefe Artístico y Director del proyecto Swiss Symphonic and Opera composers, para la grabación y publicación de partituras de obras orquestales de compositores suizos en colaboración para la casa discográfica VDE-GALLO. También tiene otras grabaciones de compositores suizos en colaboración para la casa discográfica CLAVES. Fue Director Musical en la «Wales International Academy of Voice » (Saturday Academy) en Cardiff de 2012 – 2015. También es el creador de su método de Dirección de Orquesta www.approachtoconducting.com. Emmanuel Siffert ha sido dos veces ganador del Premio al Mejor Director en el Concurso “Schweizerischen Tonkünstlerverein” en 1993 y en 1995. Sus estudios de director los realizó con los Maestros Horst Stein, Ralf Weikert, Jorma Panula y Carlo María Giulini. Estudió violín en Salzburgo, bajo la tutela del Profesor Sandor Végh y participó como violinista con la Camerata Académica de Salzburgo desde 1989 hasta 1994.

Louise Farrenc (Francia, 1804-1875)
Sinfonía n°3
Duración aproximada: 36’

Gracias a diversos estudios musicológicos, desde las últimas décadas del siglo XX el trabajo de las mujeres compositoras del XIX se ha visibilizado cada vez más, lo cual ha servido para contrarrestar la tradicional expectativa de la mujer música como mera reproductora de la obra de los “grandes genios”, esto generalmente a través de instrumentos como el piano, el violín, el violoncello o la voz, recayendo en los varones las labores de creación o dirección.
Parte de estos estudios han sacado a flote la carrera de la pianista, educadora, investigadora y, por supuesto, compositora francesa Louise Dumont (nombre previo a su matrimonio en 1821 con el músico y editor Aristide Farrenc). Responsable de un variado y nutrido catálogo de obras donde abunda la música de cámara, figuran tres sinfonías escritas en 1841 la primera, cinco años después la segunda y en 1847 la tercera, probablemente su obra más interpretada en la actualidad. Junto con los méritos estéticos -los cuales podremos apreciar en el concierto de hoy-, cabe reconocer que, sumado a los obstáculos que debía afrontar una mujer compositora en la Europa del siglo XIX, esta sinfonía fue escrita en un momento que dicho género se encontraba decayendo en Francia debido a la popularidad de la ópera. Aún así, la composición llegó a ser estrenada con éxito en uno de los prestigiosos conciertos de la Societé des Concerts du Conservatoire el 22 de abril de 1849.

Juan Carlos Poveda

Piotr Ilyich Tchaikovsky
Capricho italiano, op.45 (15 minutos)

El Capricho italiano de Tchaikovsky nació a raíz de un viaje del compositor a Roma en 1880, durante el cual fue testigo del carnaval y su despliegue de melodías tradicionales y canciones callejeras. Al mismo tiempo, la obra está inspirada en las Fantasías españolas de Glinka. La pieza fue estrenada en Moscú el 18 de diciembre de 1880, bajo la dirección de Nikolai Rubinstein, y está dedicada al violoncelista Karl Davidov. La pieza ocupa al menos cinco materiales temáticos que se despliegan libremente, de los cuales uno corresponde a un toque de trompeta que el compositor escuchaba diariamente desde la habitación de su hotel en Roma, y otro a una tarantella conocida en Italia como Cicuzza.

La obra comienza con una fanfarria de trompetas que funciona como preludio de la primera parte, en la que las maderas abordan un tema melancólico. En la segunda sección aparece un tema en la mayor de talante popular que es objeto de elaboraciones que crecen en rapidez y virtuosismo. A continuación, en la tercera parte, se presenta el tema principal en las flautas en contrapunto con el corno. Se configura una canción napolitana que después de un breve retorno del tema principal de la primera sección, da paso a la tarantela final. En la sección central de ésta reaparece la segunda sección, seguida de una coda que crece desde un pianissimo hasta un forte fortissimo.

Nota al programa: Cristian Guerra Rojas, musicólogo Universidad de Chile (2009)

Nicolai Rimsky-Korsakov (1844 – 1908)
Capricho español, op.34

Entre 1862 y 1865 Rimsky-Korsakov realizó varios viajes debido a su cargo como oficial de la marina rusa, y así conoció España, especialmente Cádiz. El compositor escogió su material melódico de la colección Ecos de España de José Inzenga. La obra fue concebida originalmente como una fantasía para violín y orquesta, pero después el compositor incorporó otros instrumentos solistas. El título exacto de la obra en ruso es “Capricho sobre temas españoles”. Fue estrenada el 31 de octubre (calendario juliano) o 12 de noviembre (calendario gregoriano) de 1887 en San Petersburgo, bajo la dirección del compositor.

Consta de cinco partes. La 1ª, Alborada (Vivo e strepitoso), es un baile festivo de origen asturiano que celebra la salida del sol, con violín y clarinete solistas. La 2ª, Variaciones (Andante con moto), presenta un tema en los cornos que es sujeto a diversas variaciones. La 3ª, Alborada (Vivo e strepitoso), retoma el tema de la primera parte con cambios en la instrumentación y tonalidad. La 4ª, Escena y canto gitano (Allegretto), se abre con cinco cadenzas, cada una con un solista diferente: cornos y trompetas, violín, flauta, clarinete, arpa, seguidas por una danza en compás ternario, con participación de diversos instrumentos de percusión y cuerdas que deben imitar guitarras, y se encadena sin interrupción con la parte siguiente. La 5ª, Fandango asturiano, presenta los temas de la parte anterior en orden inverso y finaliza con una recapitulación triunfal del tema de la Alborada.